Declaración

Texto: Declaración, klavaza, 2010. Foto: Old Providence, klavaza, 2007.

Diseño: Eye Candy by Pau, 2010.

Q200 por una chica

Hace poco me contó un taxista que una noche, a las 2:00 AM, una chica tomada, de buen ver, en minifalda y escote, le pidió una carrera. Iba de La Reforma a San Cristóbal a buscar a su novio. Cuando se acercaban a su destino lo llamó, pero él le dice que no está ya por allí, sino en la Primero de Julio. Para allá van entonces. Pero de nuevo otra llamada y el hombre dice haberse movido todavía más lejos. Sin arredrarse, la chava le dice el taxista que extienda la carrera, pero el resultado es una vez más decepcionante.

"Pensé, dijo el taxista, que el chavo estaba huyendo de ella, que no deseaba verla. Pero a esas alturas el carro ya no tenía mucha gasolina y le pedí unos Q100, la mitad de lo que me debía hasta ese momento". La respuesta fue el llanto y la confesión: "Mirá, no traigo plata, mi novio dijo que me pagaría el taxi". "Lo siento, pero necesito el dinero, ya me debés Q200, mirá cómo le hacés para pagarme". "No tengo cómo, cobráte conmigo". "No trabajo para eso, sino por el money". "¿Qué, no te gusto?". "No se trata de si me gustás o no, sino de mi trabajo. ¡Necesito la feria!".

Se alargaban la discusión y la madrugada, hasta cuando apareció una radiopatrulla: "¿Puede saberse a dónde lleva a la señorita o qué está haciendo con ella?", preguntó un PNC. "A ningún lado", respondió el taxista, "porque me debe y no tiene cómo pagarme". Hubo silencio. "Bueno, mirá:", dijo el agente, "te vamos a dar lo que te debe, pero ella se viene con nosotros".

"Hasta aquí", terminó el hombre, "nunca supe qué fue de ella". "¿Por qué no la llevó a su casa? En algún lado viviría...". "Mire, yo quería mi plata, uno deja a esa gente en donde dicen que viven y al llegar a cobrar resulta que nadie los conoce, que no viven ahí, en fin, se pierde esa plata",

Calló por un momento y cambió de tema. Bajé del taxi preguntandome cuál habría sido el destino que le deparó esa noche a esta pasajera anónima: si la patrulla la habrá llevado a un destino seguro o a la boca del lobo.

Le faltó algo a ¡Oh Revolución!

Foto: Flickr del Gobierno de Guatemala.

Para conmemorar a la Revoulución del 44, la que derrocó al gobierno del general Ponce Vaides, sucedáneo de Jorge Ubico, el Ministerio de Cultura montó esta muestra en el Palacio Nacional de la Cultura (tal vez por oportunismo, según ella para vincularse de alguna manera con aquella gesta). Sus estrellas fueron los murales Gloriosa Victoria, de Diego de Rivera (traído de Rusia), y el otro, Venceremos, de Rina Lazo, alumna del primero. Ambos son magistrales. Gloriosa Victoria muestra casi con fines didácticos la intervención de Estados Unidos en la caída de Jacobo Árbenz Guzmán, una historia más que conocida pero que vale la pena tener siempre presente. El de Lazo es una alegoría, muy bien ejecutada, de los horrores a los que se ha sometido al pueblo guatemalteco, desde el punto de vista de la izquierda, por supuesto. Reconozco el esfuerzo realizado por sus curadores, Javier Payeras y Lucrecia de Prera: traer las obras, documentarlas, montarlas, protegerlas.

Las obras estaban clasificadas por periodos, desde la década de los años 50: Empezaba con La Historia, que comprendía objetos que pertenecieron al dictador Jorge Ubico Castañeda: sus espuelas de plata, sus estribos de bronce, ambos muy bien repujados; su silla de montar (muy mal conservada, por cierto), su escritorio, su bar, etc. Además de otros, como el baúl de viaje del coronel Árbenz Guzmán. Había otras cosas, como un retrato, que no me gusta, del expresidente Juan José Arévalo Bermejo.

Las siguientes clasificaciones eran La Faena, XX (sobre la Guerra Interna), Cero Revoluciones (sobre el presente del país) y, finalmente, los murales. La muestra llevó al gran público grabados de Arturo García Bustos (esposo de Lazo), collages de Roberto Cabrera o instalaciones de Isabel Ruiz. Y a propuestas más modernas, como los trabajos del Grupo La Torana.

Desde mi punto de vista, faltó organizar mejor a la muestra (la subdivisión por épocas se me hizo evidente por una nota de prensa) para enfocarla en un solo propósito y creo que debió enfatizar aún más cuánta represión sufrió el arte en este país. También, que debió subrayar con doble línea roja la brutalidad de la era Ubico, en especial ahora cuando se le quiere pintar como maravillosa, que de tal no tuvo nada más que horrores y crímines de Estado encubiertos de mil maneras. A ella, en gran medida, todavía le debemos parte de la siembra de cizañas que rindieron los frutos amargos que seguimos comiendo hoy en Guatemala.

Fotos. klavaza, 2010.

Piranha 3D

A causa de temblores submarinos se liberan peces abisales de origen prehistórico, cuyo paladar descubre en los seres humanos a platillos exquisitos: mejor aún si se trata de chicas en bikini que veraneen en un lago. De allí deberán ser erradicados por un equipo a cargo de Elisabeth Shue (a quien por supuesto también desean saborear). Dirige el francés Alexander Aja (Haute Tension) a Richard Dreyfuss, Ving Rhames, Christopher Lloyd y Eli Roth. Si les gustan las producciones de la Serie B en la mejor tradición de Roger Corman, ésta es para ustedes. (Nota publicada en Weekend del 08/10/2010).

Zona Roja

Mariadolores Castellanos vuleve a la galería donde expuso por vez primera, con esta doble propuesta integrada alrededor de un mismo eje: la experimentación con juegos de luces, plasmados en lienzo, que luego convierte en figuraciones tridimensioanles con la impronta típica de su trabajo. Pero con la innovación de pigmento rojo translúcido dentro de la resina, que subraya al corazón y sangre de sus esculturas.

Esta primicia, en una carrera de altos quilates que ha rendido frutos a nivel internacional, no le fue fácil. Debió buscar el pigmento fuera del país y domarlo antes de obtener los resultados que están a la vista: un rojo intenso, de densidad uniforme y translúcido, encerrado en figuras dentro de las cuales parece fluir con libertad. En unas, monocordiales, la viscera está dentro, en algunas surge hacia fuera con fuerza y otras son multicordiales: los corazones brotan de ellas como si de frutos se tratara. La obra de Mariadolores Castellanos es multifacética, se le puede interpretar de muchas maneras (algo que comprobé al escuchar con subrepción los comentarios, doctos o no, de quienes asistieron a la inauguración de la muestra) y también es capaz de incitar diferentes sentimientos.

Rodeadas del bullicio del público las imágenes parecen inocuas. Pero al acercarse a ellas en soledad cobran una dimensión más, cuyo significado, por supuesto, dependerá de quien las vea. "Ángeles para unos, demonios para otros", enigmáticas a veces e incluso, si dejara volar mi imaginación (algo que no me cuesta mucho), de siniestra belleza (troncos descabezados, que podrían ser temibles a las tres de la mañana).

En total son 15 esculturas y 10 pinturas, que van desde mediano a gran formato. "Experimento con luces y sombras desde abril", dice la artista guatemalteco-estadounidense, poseedora de una sólida formación en ambas disciplinas. "La pintura académica es la técnica primordial que ha desarrollado las herramientas que me han permitido superar los retos que propone el arte".

Al entrar a la galería, se aprecian 12 esculturas de mediano formato rodeando a dos mucho más grandes, enfrentadas (Anabella Pensabene me suigirió que podrían ser autorretratos de la artista). El número 12, dice la creadora, representa a la mitad de las horas del día, a los meses del año. Es,ciertamente, un número cabalistico, resultado de multiplicar tres por cuatro (triangulo y cuadrado), en fin, una representación numérica de símbolos ancestrales que están profundamente enraízados en nuestra cultura. En cuanto a si las figuras centrales son autorretratos, Mariadolores sólo comenta que "al final, todo viene a ser un autorretrato".

Los límites de la muestra los dan los cuadros que parecen evocaciones de sus contrapartes tridimensionales.

Hay otra primicia: la publicación de su primer libro, que compila su trayectoria artística y que es de obligada referencia para críticos, coleccionistas, amantes e historiadores del arte. En la portada se aprecian cuerpos humanos acéfalos de cuyo cuello surgen (o están rematados por) libélulas (una vez más un elemento de doble significado: es un bello insecto, pero se le conoce también como caballito o aguja del diablo). Tal vez una válida interpretación simbólica de nuestra verdadera naturaleza.

Zona Roja, de Mariadolores Castellanos estará en la Galería El Túnel,16 Calle 1-01, Zona 10, Plaza Obelisco, hasta el sábado 30 de octubre de 2010.

Con información publicada en Weekend del 24/09/10.

Imágenes: klavaza, 2010.

A*las, de Estefanía Valls Urquijo

Jorge Morales, para Revista Amiga de Prensa Libre.

A*las, es la más reciente muestra de Estefanía en Guatemala. Está contenida dentro de una cámara obscura (la Galería Ana Lucía Gómez se vistió de negro para recibirla) para destacar su riqueza de texturas y cromatismos, que dan cuerpo a zoomorfos -felinos y aves de cerámica vidriada- y a barcas terminadas en metales nobles y bronces, con fragmentos de vitrales:  “El vidrio tiene su propia vida después de hornearlo, al igual que la cerámica: son tan parecidos, vienen de los minerales de la Tierra”, explica la artista.

klavaza, 2010.

La mayor presencia la tienen los gatos, en variadas posturas y tamaños, sensuales, evocativos y alados. El más grande, al reflejarse en un espejo se transforma en insecto. “No es que tenga fascinación por ellos”, dice Estefanía, “para mí los animales son un instrumento de representación según el tema que quiero analizar o cuestionar. Pero el felino representa ahora al arraigo con el instinto animal y las alas de mariposa son el salto, la evolución, la liberación de las ataduras terrenales”. Más allá de la forma, opina que “detrás de todo trabajo artístico tiene que haber un camino filosófico”. En cuanto a las barcas, terminadas en láminas de plata, oro o bronce, suspendidas e inmóviles, son un adelanto de su siguiente muestra, sin embargo, se integran con la actual como recordatorio de aquellos mascarones que ostentaron las naves antiguas para espantar mostruos marinos.

klavaza, 2010.

Estefanía Valls Urquijo en tres años ha logrado ya una trayectoria internacional cosechando muy buenos comentarios de la crítica especializada, tanto de Guatemala como del extranjero. Recién vuelve de Europa en donde expuso en el Salón Renault ARGR de París, con mención de honor; en la Galería Primmo Piano de Venecia y en el Salón Cotemporanea de Ferrara, ambos en Italia, y en España, en la Galería Patrick J. Domken, de Cadaqués. Pronto volverá al Viejo Continente para exponer de nuevo. 

Aparte de sus éxitos técnicos y el montaje tan bien logrado: desde las paredes pintadas de negro hasta la iluminación diseñada por Carlos González (luminotécnico del Teatro Nacional); la muestra pareció acogerme dentro de ella, como si en un espacio sagrado me hubiese encontrado. Pero también me sentí rodeado, acechado por los felinos a los cuales admiro casi hasta la zoolatría. Por un momento creí que había atravesado un portal que lleva a esa dimensión creada por Estefanía, en donde tiempo y espacio sirven para que ella agrupe y dirija puntos y líneas para dar cuerpo a sus creaciones.

La muestra estará hasta principios de octubre. 

(Adaptación del texto publicado en Weekend del 27/08/2010).

I'll wait

Juan 10:10

I Reyes 19:11-12

En esta época de sueños rotos, esperas infinitas, amistades perdidas, acosos y sueños con demonios que ocultan a terribles criminales; de gallinas ciegas que se incrustan en el hipotálamo cual sedientas lampreas; de falta de plata, de charcos de sangre en calles y avenidas; cuando el túnel delibera y decide hacer inalcanzable su otra salida y cuando la cruz del nazismo vuelve a oscurecer el atardecer de mis muertos: el único, único verdadero bálsamo e hilo de Ariadna es la música. Y los ojos luminosos de mis gatas. ¿Todo lo demás?, dicen que vendrá por añadidura.

Avatar, otra vez...

Imagen: Film.com

Ayer fuimos con varios compañeros a la sala Imax de Pradera Concepción. El destino: ver Avatar en Imax 3D por cortés invitación de Circuito Alba, en mi caso por quinta vez. Esta maravilla de la tecnología, de seguro el director's cut, volvió a dejarme una honda impresión. Nuevas escenas y un final más conmovedor me hicieron apreciarla de nuevo, sobre todo ahora que la veo como parte de un esfuerzo personal, y de envergadura, por parte del director James Cameron en pro de la conservación no sólo de la ecología y la biodiversidad, sino de las culturas no occidentales que han logrado pervivir hasta la fecha.

Me decía un amigo hace poco: "Los gringos siempre están agrediendo a los demás. Por ejemplo, todo el tiempo mandan misioneros a países como Irak o Afganistán. ¿Para qué? ¿Para decirles que viven como salvajes porque no son cristianos? ¿No pueden respetar el derecho del otro a creer como quiera, a tener por sagrado al Korán en vez de a la Biblia?". No deja de tener razón. Occidente necesita hartarse de materias primas, no importa cómo se obtengan. Y esa es una de la razones por las cuales le urge occidentalizar a todo el mundo No es nuevo, ya Plinio el Viejo relata en lo que llamó el Ruina Montium cómo la Roma Imperial procedió a destruir un monte completo con tal de extraer oro, que el imperio necesitaba con urgencia. De paso, que los esclavos, necesarios para desviar el cause de un río para expulsar el oro de aquella montaña española, fueron dejados dentro una vez completada la operación. Murieron ahogados por la correntada.

Los gringos, pero no solo ellos, sino Occidente mismo, lleva en su ADN esa prepotencia de la Roma antigua que le hacía creerse con el derecho de civilizar a los bárbaros. Hoy, Roma son los gringos y los bárbaros nosotros. Decía la revista Time que el famoso Melting Pot significa en la mente de los Wasps que todos, algún día, abrazaremos a la occidentalización como al máximo bien posible. ¿Qué es eso de negros gringos convertidos al Islam o de latinos que no creen en el evangelismo de carpa o no quieren hablar en inglés? O que no tomen leche de vaca, como apunta el antropólogo Marvin Harris en Good to Eat. Hago la salvedad, Roma tuvo la decencia de respetar a las creencias ajenas, sojuzgaba la política, la economía y la defensa de sus vasallos pero no se metía con sus dioses. Occidente no, quiere imponer al dios del capatilismo a cómo dé lugar.

Cameron utilizando muchas fuentes, desde A Man Called a Horse hasta la categorización del cuento de hadas, logra una metáfora de esta realidad, la de las minas en Guatemala, Sudáfrica o China, la de campos petroleros o torres de extracción en alta mar, hasta incluso de la reacción del occidental cristiano ante la naturaleza: impasible, ignorante y agresivo y por supuesto bruto con todos aquellos que no sean como él, como los españoles que vinieron por acá para conquistar en nombre de la corona. Es decir, con ambición desmedida, con intención de traicionar, explotar, depredar y luego largarse cuando ya no haya nada más que sacar de provecho. ¡Ah!, cómo me recordó la lica a I left My Heart in Wounded Knee.

Eran otros tiempos, los de los españoles conquistadores y los de la Roma antigua, deberíamos decir ahora. Alguna vez Carlos Rafael Soto preguntó: ¿Hasta cuándo Roma? Debió preguntar: ¿Hasta cuándo, Occidente?

¡Muchas gracias Oswaldo!

Siglo XXI del domingo 29082010.

Hechos aterradores

Guatemala es la little country of horrors. Ya nadie se sorprende por asesinatos, robos, clonación de tarjetas, prostitución infantil, falta de ética, abuso y corrupción gubernamentales o policiacas. Todo es normal en este país de las antimaravillas. Claro, debiesemos cambiar este rumbo, no, revertir esta caída planar que como dijo alguna vez el difunto Edgar Morales (aunque se refería a un amor imposible), "sólo nos llevará al caos, la locura y tal vez la muerte". El estado de anarquía es tal, que todo se presta a dobles interpretaciones. Por ejemplo, el caso de Alejandro Giammattei. Es obvio, se trata de un encarcelamiento con dedicatoria política. Otro, la transferencia de fondos del Ministerio de Educación a Mi Familia Progresa, también obvia plataforma oportunista de la actual administración de turno para intentar perpertuarse en el poder. Pero la muerte del activista cultural, Leonardo Lisandro Guarcax toca ciertas cuerdas temibles porque, según ciertas interpretaciones (he ahí lo malo, no creo que se llegue más allá, como en el caso de los Mussa), podría tratarse de la punta de un témpano de intolerancia religiosa o de ataque frontal a la cultura maya. Bien sabido es que muchos grupos cristianos en el interior padecen de un fundamentalismo espantoso, nada raro en un país desinformado, analfabeta y encima ananumérico: cualquier información que no coincida con sus creencias provendría de Satán (el caso de la radio que incitó el ataque contra la turista canadiense en Huehuetenango) o de grupos en los cuales el racismo es rampante (en pleno siglo XXI, aun vivimos en la Edad Media). Espero que no haya sido así, además quiero creer en la eficacia de las autoridades correspondientes para esclarecer el caso. Claro que sí, por supuesto. Mientras, seguiré obsesionado con la Gallina Ciega, como lo postée en FaceBook, porque ya no basta con hundirse en la ficción, ni vivir bien a verga como declaraba Miguel Ángel Asturias, no. La realidad chapina causa un dolor tan lacerante, que ya no hay anestésico ni pain killer capaces de calmarlo.

Un maestro del dibujo

(Entrevista por Paula Alejandra Lone, publicada en Prensa Libre del 30/08/2010)

Concepción del Uruguay es un pueblo fronterizo de Argentina, en la provincia de Entre Ríos. Allí nació en 1965 Juan Manuel Díaz Puerta, quien se define como pintor y dibujante.

Es licenciado en artes visuales. Luce juvenil, incluso juguetón, pero esa fachada informal esconde una propuesta plástica tan de alta definición como los acrílicos sobre lienzo que expone en la Galería Ana Lucía Gómez (16 calle 7-30, Zona 14).

“Sus trazos son lanzas incandescentes que iluminan nuestra hondura sensible para reanimar las llamas de la suprema obscenidad de la belleza”, escribió el argentino Enrique Tudó.

Con una sola propuesta a color, el resto de la obra es en blanco y negro; sin embargo, ese monocromatismo le confiere dramatismo y fuerza a su admiración por el cuerpo masculino, por las aglomeraciones humanas, en las que inserta un zoomorfo simbólico, enmarcado en paisajes urbanos o rurales de impresionante precisión y belleza.

Juan Manuel Díaz Puerta nos recibe en el vestíbulo de la Galería Ana Lucía Gómez para responder algunas preguntas acerca de su trabajo, en el cual ha representado zonas de Guatemala, que ha visitado en varias ocasiones. Esta es su segunda muestra en el país.

La naturaleza y la figura humana son integrales en su obra. ¿Le llama la atención la anatomía masculina?

Me gusta la anatomía humana; es muy importante para mí. Pero también me da placer la femenina; se ve en mi obra.

¿Cuáles podría considerar como sus influencias en la plástica?

Los clásicos, definitivamente; el Barroco y el siglo XIX han dejado su impronta en mi trabajo.

¿Desde cuándo se supo artista visual?

Desde que tengo uso de razón, y la técnica para mí siempre fue el dibujo.

¿Por qué las multitudes en sus cuadros?

Necesito pintarlas porque tengo un problema de comunicación: lo hago a través de los cuadros. Las multitudes subliman esa carencia, o ausencia, de contacto.

¿En su obra se reflejan algunas de sus lecturas?

Definitivamente. Borges, por ejemplo, porque evoca a la pampa, pero también me gustan Cortázar y García Márquez. En especial, de Guatemala, disfruto a Tito Monterroso.

Uno de los aspectos más destacados de su trabajo es el manejo de la luz, poco convencional.

La luz está en función del cuadro. Se dice que “pintar es pintar la luz”. La luz es abstracta, casi metafórica, poética, y yo juego a dominar esos elementos en mi obra.

A pesar de que su obra es realista, contiene elementos oníricos o simbólicos, como una fiera que va con las multitudes, una cúpula romana que remata una gruta llena de gente o un zoomorfo que asoma entre ella. ¿Cómo los explica?

No hay surrealismo sin psicología. En mi obra se entrelazan procesos e historias, pero hay que comprenderlos de manera subjetiva, porque surgen de manera simbólica. En cierta forma me siento surrealista, debido a que los sueño primero antes de plasmarlos en el lienzo.

¿Cuánto tiempo le toma completar un cuadro?

Depende, pero podría promediar unos 15 días. Además, muchos de ellos conllevan un estudio anatómico y está de más decirlo, pero todos se logran con mucho trabajo. Pero si no trabajo, entonces sufro de mucha ansiedad. Luego, una vez completadas las series, me tomo un descanso de otros 15 a 20 días.

Imágenes: Galería Ana Lucía Gómez.

Aún más horrores del baño de hombres

Tres casos más para la colección que ya lleva dos posts en este blog, todos ciertos y verdaderos:

Lavado de quetzales

Un amigo me refiere que su padre cuando estaba a cargo de un cuartel debió recibir a varios soldados, quienes se presentaron a servicio completamente borrachos. Al verificarlos, se descubrió que no estaban de alta en esa base, sino en otra. Fueron puestos en formación para recibir la puteada correspondiente, y mientras esta sucedia otro soldado se acercó y le dijo algo al oído. El oficial fue a verificar por su porpia cuenta: en los botes de basura de las letrinas había billetes, porque los elementos, en su borrachera, los habían usado en vez de papel hiegiénico. Más tarde se vio a los hombres lavando los billetes en una pila, por ordenes del superior. ¿No sería posible que alguno de esos pasara por nuestras manos después?

Es malo aguantarse

Un compañero de trabajo, obeso aunque no debería ser necesario señalarlo, postergó su ida al baño porque estaba en reunión con uno de los gerentes. Es más, cuando terminó, casi una hora de abstenerse, alguien lo llamó por teléfono y cuando por fin logró llegar a los baños todos los inodoros estaban ocupados. Desesperado, se paró frente a la puerta, con cara de hormiga, como solemos decir. Alguien de su mismo departamento entró, lo vio y lo saludó con una fuerte palmada en el estómago. El ¡Qué tal vos! recibió como respuesta una grotesca y ruidosa descarga, acompañada por el olor correspondiente. "No tuve más remedio", me cuenta el protagonista, "que salir corriendo a bañarme a la casa".

Desgracia frente a la jefa

"Mire Lic., de verdad que la pasé mal. Estaba parqueado cerca de la Tipografía cuado empecé a sentir ganas, pero qué horrible se sentía. Por suerte cerca de allí hay unos baños públicos, así que fui, pero al llegar me encontré con que no tenía ni un pinche varo entre la bolsa. Salí a la calle y empecé a pedirle a la gente, pero todos me mandaron a volar. Entonces, decidí hablar con la señora que cuida los baños, le expliqué lo que me sucedía y le rogué que me dejara entrar. "¡Si no carga el quetzal váyase a otro lado!". Salí y como estaba desesperado, decidí hacerlo al lado de El Calvario, al fin y al cabo allí orinan todos. En esas estaba cuando llegaron dos de Emetra: "¿Y a usted qué le pasa?,¡ levántese y limpie lo que hizo!", me dijeron. Me pasaron uno botes con agua y empecé a limpiar cuando me llama mi jefa, diciendo que ya estaba en la puerta de la Tipografía. esperando por mi. Los emetras se reían, de que yo con celular no cargara ni un peso para el bañoy cuando vieron el carro, casi me dan verga.

"Lo peor entonces fue subirme al carro. Por suerte encontré una manta de vinil y la puse sobre el asiento, para no dejarle el olor. Cuando la jefa entró al carro, con las ventanas bien abiertas y el aire a todo meter, me preguntó qué estaba pasando, que de dónde venía ese olor tan repugnante. No Lic., no tuve de otra más que decirle la verdad. "Usted es un caso", dijo nada más, "váyase a su casa y regrese arreglado". En mi casa me recibieron a palos, porque mi mujer pensó que yo había estado bebiendo".

Imagen: klavaza, 2010.

San Manuel exilio mártir

La XVII Bienal de Arte Paiz tuvo lugar del 17 de abril al 9 de mayo pasados. Esta nota se me había queadado, se la debía al blog. Pocas de las obras me impresionaron o incluso me llamaron la atención. La estrella para mí fue esta escultura del Colectivo La Torana (Marlov Barrios, Erick Menchú, Norman Morales, Josué Romero y Plinio Villagrán) resultado de su Proyecto para la creación de un santo. Estuvo en exhibición en (ex)céntrico, del Centro Cultural de España. La figura es una metáfora del sistema de creencias que existe como soporte del crisol en donde se fraguan nuevas clases sociales, emergentes de muchas fuentes, algunas ilegales. Casos muy conocidos son la Santísima Muerte o Jesús Malverde, llamados narcosantos por razones obvias. Son de cuño relativamente reciente, no más de 200 años, y se distinguen de otros, como San Pascual o Maximón, de mayor antigüedad y resultado casi siempre del choque cultural que provocó la Conquista por estos rumbos.

La Torana se apuntó un cien con esta escultura que conjunta además a dos elementos comunes de la cultura popular: los santos espurios y la tecnología que todos usamos a diario, muchos sin entenderla en realidad. Simplemente son hechos dados. Así como creemos a ciegas en la existencia de fuerzas sobrenaturales, aceptamos la omnipresencia de la tecnología, la intrusión del sistema en nuestras vidas y la imposibilidad de vivir sin una, ni la otra. Además, y ya con toque humorístico, pero sardónico, el santo en cuestión tiene su historia: se llamó en vida Manuel de Jesús Rodas Zacarías, nació en San Augustín Acasaguastlán el 14 de octubre de 1982, en extrema pobreza. Antes de que naciera su madre soñó una violación brutal y a un perro que llevaba una cabeza con el hocico... Se le conoce como el santo del crimen y de los viajeros sin rumbo.

Estoy seguro de que si se le colocara en un santuario público, con su historia y oraciones respectivas (las cuales acompañan a la figura en un trifoliar que parece miemografiado), no pasaría mucho antes de que convocara a miles de fieles devotos, quienes le dejarían todo tipo de ofrendas y exvotos. Tampoco tardaría mucho en formar parte de esa constelación subterránea de santos hechizos, tan espurios como los conceptos que los sustentan, resultado de una sociedad ananúmerica, inclinada a creer pero jamás a informarse para saber a ciencia cierta.

Imagénes: klavaza, 2010.

Frank Frazetta (1928 - 2010)

Night Stalker, 1967.

 La obra de Frazetta forma parte de mi ecosistema plástico desde que la descubrí en las últimas páginas de un cómic de Vampirella, todavía publicado por Warren. Se veía a una luna enorme y en contraluz a un personaje que la observaba. Se llamaba Night Stalker. Además, a él se debía la portada. Aquella primera impresión habría de durar hasta hoy. Frazetta fue un gran ilustrador de cómics, portadas de novelas, discos y libros, afiches de cine y tiras cómicas, maestro de la línea trazada a mano alzada y de ese infernal medio, la acuarela. Su favorito era el óleo pero también apreciaba al lápiz y a la tinta.

Wolves, 1966.

Representaba tanto a figuras humanas como a zoomorfos como seres poderosos, muchas veces en situaciones extremas. Sus desnudos o semidesnudos aclaman al cuerpo humano, mientras sus fieras y entornos evocan un pasado glorioso, mítico, muchas veces de raigambre nórdica, africana o prehistórica. Tardía fue su entrada en mi adolescencia, pero suficiente como para inflamar de por vida mis fantasías escapistas y eróticas. Si algo realmente me gusta de él es su capacidad para contar una historia a medias: una mujer desnuda y voluptuosa combate a un demonio poderoso armada sólo con una lanza. Una madre caída con su hijo en brazos enfrenta a cinco lobos hambrientos o un hombre acorralado contra una roca está a punto de ser devorado por fieras que se ven malignas. No cuesta mucho seguir esas narrativas visuales, dejarse ir e imaginar cómo llegaron allí o cómo terminaron sus personajes.

Vampirella, 1996.

John Carter de Marte (de Edgar Rice Burroughs), Conan de Cimeria (de Howard E. Carter) o la misma Vampirella (a quien le diseñó el trajecito) deben su éxito en gran medida a las ilustraciones de Frazetta. Muchos fans reconocieron haber comprado esos libros porque deseaban leer qué pasaba en las portadas (algo que no estaba escrito). Por eso declaró, "nunca juzguen a un libro sólo por la portada".

Sus obras siempre fueron coto de caza de inversionistas y acaparadores. Entre sus admiradores y clientes se cuentan Marlon Brando, Cher, John y Bo Derek, Dick Clark, Patrick Duffy, Clint Eastwood, Francis Ford Coppola, Charleton Heston, Dino De Laurentiis, Tom Laughlin, Sandra Loche, George Lucas, Steven Spielberg, Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger y Orson Welles (Aggie Guerard Rodgers, cuenta que el diseño del bikini metálico de la princesa Leia Organa en Return of the Jedi, se inspiró en un trabajo de Frazetta). Está por iniciar el remake de Conan y Robert Rodriguez le dará nueva vida a Fire & Ice, una documental sobre su vida que fuera dirigida por Ralph Bakshi, el mismo que dirigió la primera versión fílmica (horrenda) de El Señor de Los Anillos.

Weird Science # 29.

No es pues extraño que su trabajo se haya apreciado tanto. Incluso bocetos sin terminar exigen miles de dólares. En junio de esta año su ilustración para Weird Science # 29 se vendió en USD $380,000 y en julio su Conan the Destroyer alcanzó los USD $1.5 millones, el precio más alto pagado hasta la fecha por una ilustración de este tipo (al fin de cuentas le dio el rostro más creíble a Conan). En una ocasión uno de sus clientes le inquirió que cuándo estaría listo el trabajo recién ordenado. "Hoy mismo", respondió Frazetta. Y lo estuvo esa noche. Trabajaba sin detenerse, tenía una enorme facilidad que empezó desde niño estimulada por su abuela quien le daba centavos por cada página que dibujaba. Cuando varios infartos le debilitaron la mano derecha, aprendió a pintar con la izquierda.

Se va Frazetta, uno de los últimos grandes, pero deja un legado impresionante y un embrujo que abrazó a otros de la talla de un Boris Vallejo, una Julie Bell, un Royo o incluso a los hermanos Hildebrandt. En Heavy Metal se ve cuán grande fue tal influjo y también en Avatar, algunos diseños de producción y situaciones me recordaron al estilo de este ilustrador. Con él, además, se va una era: la era del pincel, del caballete y el lienzo en la pintura comercial e incluso la del aerógrafo. Nos quedamos con los medios digitales, los ratones y las tablets. Los medios cambian, se hacen más ricos, más versátiles. Los creadores de la talla de Frazetta, en cambio y me lo temo, cada vez surgen menos en esta era del copy-paste, del posmodernismo, del mix y de la cita anónima.

Adiós a Frazetta, fragmento, foto intervenida por medios digitales. 9*18.5 pulgadas. klavaza, 2010. Todas las demás ilustraciones fueron tomadas del sitio Art History Archive.

Paulo Alvarado: sus 40 años en la música

"Les sanglots longs

Des violons

De l'automne

Blessent mon coeur

D'une langueur

Monotone".

Paul Verlaine, Chanson d'automne.

El sábado pasado en el Palacio Nacional de la Cultura tuvo lugar una fiesta para celebrar los 40 años que Paulo Alvarado le ha dedicado a la música. Es decir, toda su vida. Con un amplio espectro, compositor de rock, de clásico (o música académica, como le llaman ahora), de soundtracks y grande de ese instrumento esotérico, sensual y mágico, el violoncello, ha tenido una presencia muy notoria en la escena artística nacional, más allá de su participación en audiciones, conciertos o reuniones sociales. Su columna, Presto Non Troppo, por ejemplo, no sólo se limita a la crítica musical, también revela a un hombre muy entendido de su entorno, a un observador quien ha logrado aprehender la big picture como pocos otros.

Lo conocí hace décadas, cuando Alux Nahual hacía tronar a Guatemala, cuando Devo cantaba Freedom of Choice y el rock alternativo entraba con ímpetu al mainstream mundial. Platicar con él hoy es como levantar un velo tras otro de la historia de la música nacional, con velocidad casi electrónica salta de una era a otra, rememora personajes, maestros, conciertos y composiciones, cita sin error álbumes (algunos extintos para la memoria popular) y, sin embargo, no hay en él un anclaje hacia el pasado. Por el contrario, siempre busca la innovación y el progreso. Felicitaciones Paulo, por todos estos años, espero otras cuatro décadas más y, como dicen británicos y gringos, and beyond.

La celebración por supuesto giró en torno a un concierto de música suya inspirada en 40 textos escritos por similar número de autores. Yo entre ellos. El mío, lo reproduzco acá y espero verlo pronto en ese libro-objeto que sería, sin duda, un homenaje de mayor permanencia.

“Haec tibi omnia dabo...”
(“-Todo esto será tuyo si postrado me adorases-”)

Si Cristo no tenía mucho en el desierto, apenas empezaba su ayuno y ya las tentaciones, las hermosas tentaciones mundanas, se arremolinaban para impedirle la marcha, entonces, ¿qué podría tentar a un músico del siglo XXI tras 40 años de tropelar oídos, orquestas, cuerdas, estudios, y de ver su obra publicada, aceptada, deseada? ¿Bellas mujeres, fama, fortuna, un Stradivarius o la trascendencia de su obra? ¿Llegar a ser maestro de todas las técnicas, dominar a todo instrumento que le apetezca, tener en la punta de los dedos  armonías y ritmos, transportar sin pensarlo dos veces o ser el mejor lector y virtuoso del mundo? No, ésas son ansias decimonónicas o de un Salieri hollywoodesco. Las tentaciones para este músico, tras 40 años de clamar en el desierto, quedaron atrás. El “sic transit gloria mundi” ya le es harto conocido, el destello de los escenarios se ha vuelto casi cotidiano y sabe que su obra quedará. Entonces, será tentado sólo por las más abstractas de las consideraciones musicales, por explorar, por llegar más allá y emprender la marcha de otros 40 años de fructífera carrera. Así espero que lo haga.

Imagen: klavaza, 2010.

Foot worship

La chica se veía los pies fijamente, mientras jugueteaba con sus dedos, en una sala de espera del Edificio Multimédica. Su posición inclinada exageraba el escote de su top de tirantitos, bajaba la cintura de su pantalón de lona negro y dejaba ver un asomo de su cola de ballena: apenas una fina línea de encaje color champagne (que yo quise imaginar fabricado por La Perla). Los zapatos negros a un lado junto al bolso, los codos sobre los muslos. La cara entre sus manos cubiertas por su negro cabello tratado con chocolate, la falta de accesorios y la sala vacía, necesariamente llevaban la vista hasta sus pies: blancos, radiantes, sin maquillaje alguno.

El ingeniero de IBM

"¡Yo estoy aquí no porque necesite aprender nada, sino porque me hace falta el cartón, es lo único que me interesa!". Así ladraba el hombre gesticulando y con aspavientos en el centro del aula, recién llegado al tercer semestre del programa LASI de la Universidad Francisco Marroquín (hoy en la Galileo). "Y lo digo con autoridad porque soy ingeniero de IBM", terminó espetando. El tipo era alto, fornido, con panza cervecera, moreno, empezaba a mostrar la lona, de gruesos anteojos, reloj dorado, grande y de pulsera de metal. Mientras aullaba, abría su maletín Samsonite, sacaba libros y un cuaderno de notas, y luego lo cerraba con grosería. Una vez sentado, vio al techo y pareció decirse a sí mismo, pero en voz bien alta, "y ni modo que se va uno a meter a unos de esos iiiiiiiiiiccccc, en donde de nada sirve inscribirse y pagar porque alguien más imbécil es el encargado de dar clases". Luego calló. Llegó a tomar clases un par de veces más y después nunca se supo de él. Sólo que trabajaba en Tres Torres, en desarrollo de software, pero como yo, víctima de una trampa mortal, había calificado mal uno de sus trabajos, sin saber que mi diagnóstico sería usado en su contra por su mismo cliente, y hasta amenzas de muerte había recibido por eso, mejor me hice el loco, el desentendido, y le agradecí que hubiera salido huyendo de la U, porque si hubiese sabido quién era uno de sus compañeros de clases, estoy seguro, hubiera querido rajarme la cara (si me hubiera dejado, por supuesto).

Imagen: Paul Rand, logo de IBM, 1972.

La propuesta multimedia de The Solrack

Carlos Salguero (Dj Solrack) trabaja acá, con nosotros. No, no quise imitar a un diálogo de The Exorcist, sólo dar contexto a esta nota. Es diagramador y entre otras tareas organiza la imagen de la revista Mundo&Motor. Así que cada vez que ésta llegue a sus manos, estarán viendo el fruto de su trabajo. Además es geek y versado en tecnología. Pero aún hay más. Dentro de él veo hay un artista que pugna por salir. Y está saliendo: en su Noysant blog, un mundo utópico, él se define así:

"Un individuo cotidiano que trata de vomitar sus pensamientos por medio de la unión de expresiones abstractas, conjunto de artefactos con alma propia, dientes que no sueltan el afán de enfrentarse cara a cara con los personajes de su vida".

Allí encontrarán sus composiciones musicales, de las cuales la que más gusta es, hasta ahora, Insectos y abetos (tal vez por mi profesada inclinación por esas criaturas); sus incursiones en la narrativa, el desarrollo de sus diseños gráficos (algunos muy experimentales, como la ilustración de este post), fotografía y pinceladas de narrativa poética:

"Frecuencias húmedas, tardes sin anteojos, cuando camina el tiempo sobre piedras blandas, atrás del atardecer hay una respuesta, me transporto sobre estrellas de mar. Nacen de mi cabeza tentáculos con movimientos ondulados, parecen inquietos, como en búsqueda de alimento. Bajo mis pies se encuentra el otro lado de la luna, un pedazo de arena tapa las cintas de mis zapatos negros. Una galaxia brilla más que la otra, pero me dirijo a la que está más lejana. Submarino de contradicciones y apetito surrealista. Rechinido abstracto, que sabe dulce" (tomado de Tres cuatro tres).

Su blog refleja una propuesta muy personal que espero crezca en tantas direcciones como los tentáculos que salen de su cabeza. Es versátil, flexible, por eso él lo describe como:

"Noisyant es un producto de la imaginación de cada lector, trasladando pinceladas de abrasivos y flemas mentales. Un sin fin de materia blanda guardada en los rincones de la memoria, que logran ver la luz de día con las palabras formadas por el movimiento de sus manos".

Felicitaciones Carlos. Adelante, el arte no dará de comer, tal vez (como dice Strauss, "Vida de artista"), pero gracias a ella llegamos a profundizar en esa realidad que tanto querés explorar, como con ninguna otra disciplina, porque, como los antiguos alquimistas, atrapamos al alma de las cosas para transmitirla a quienes no puedan verla. Por eso es trascendental, por eso es casi un acto de misericordia.

Imagen: Noysant blog/Carlos Salguero, técnica digital, 2010.

Una vitrina sexy

Tienda Belbak, Centro Comercial Los Próceres(foto: klavaza, 2K10).

Domingo

Foto: klavaza, 2009.

Domingo: Tarde lluviosa y sin pisto,

la cámara sobre la cama

las gatas sobre la mesa duermen cómplices de Borges

Tu recuerdo se acerca como un murmullo

Ahora se transforma

se transforma en un caballo desbocado

desencadenado, descarado, tras años de encierro

Me alcanza, me embiste con fuerza

Hasta la brutalidad
Hasta el llanto, el arrepentimiento y la desesperación

Pero las gatas, sobre la mesa, siguen cómplices de Borges.

Entrevista de Luis Alejos, sobre los perfumes

Annick Goutal, París.

Hace más de un año, Primer Intento me entrevistó acerca de una de mis más notorias (y secretas) pasiones: los perfumes. La entrevista se publicaría en una revista 4W (wheels, watches, women and wines), patrocinada por un restaurante de carnes. Pero como el proyecto no se hizo realidad, quien lo coordinaba (excompañero de trabajo, BTW) nunca le pagó lo prometido. Para que su esfuerzo no se pierda, aunque sea acá se hace pública. Ojala les guste.

¿Cuántos perfumes componen tu colección?

Por ahora 18, pero he llegado a tener más de 25, en realidad es pequeña, sé de quienes poseen hasta un centenar. Mejor digamos perfumes, porque loción significa “producto preparado para la limpieza del cabello o para el aseo corporal”, en tanto perfume se define ya sea como “olor bueno o muy agradable” o “sustancia que se utiliza para dar buen olor”. No sé de dónde sacaron que perfume es para mujer y loción para hombre.

¿Cuándo empezaste a coleccionar?

Desde la adolescencia, cuando descubrí que cambian mi estado de ánimo.


¿Seguís un criterio para elegirlas?
Sobre todo, que me gusten después de un rato de haberlas aplicado. Como decía, es importante que afecten mi estado de ánimo. Por ejemplo, Minotaure (de Paloma Picasso) me pone eufórico, Mandragore (de Annick Goutal) me hace sentir oscuro, mientras cualquiera con pachuli me provoca agresividad. Si encuentro las que me gustaron hace tiempo las compro, como mnemónicos. Otro factor, menos importante, es la exclusividad.


¿Cuál ha sido la respuesta femenina?
Depende, por supuesto. Calèche, de Hermès, era muy apreciada por mujeres mayores que yo, pero no por las más jóvenes; Eau de Sport no le gustaba a ninguna. En cambio Essential, de Lacoste, le encanta a casi todas. Eau de Cartier, que es unisex en realidad, les fascina. Tengo una amiga con olfato felino: no sólo sabe cuál me apliqué, sino calcula hace cuánto lo hice. Pero no me perfumo para ellas, sino para mí.

¿Tus favoritos?
Marina Geigert escribió que vendería su alma por una botella de Vetiver de Sables (de Montale), yo creo que haría lo mismo por un Eau de Sport, creado por Jean Kerléo (actual presidente de la Osmothèque, de París) en 1968 para Jean Patou que, lástima, está descontinuado desde mediados de los años 80. Podría alargar la lista, pero mejor ser frugal. Prefiero las cítricas sobre todo, algunas orientales y los vetivers. De las clásicas, el Vetiver de Carven (de viejito, confieso) o el de Guerlain, que se siente seco y el insuperable Habit Rouge, también de Guerlain (que me hacen sentir parte de toda una tradición). Eau de Cartier; Pi y Pi Neo, de Givenchy, y Minotaure, de Paloma Picasso. Del británico Creed, Royal Water, Neroli Sauvage o Himalaya y de Hermès, Terre D' Hermès, junto con Chrome, de Francisco Rabaneda Cuervo (aka Paco Rabanne). A veces prefiero algo ligero, que se esfume casi en cuanto lo aplique, como Impérial, de Roger&Gallet (esos, al igual que ciertos CD, los escondo en gavetas para que mis cuatas no los noten). Blv Note, de Bvlgari y Eau d’Hadrien o Les Nuits d’Hadrien, ambas de Annick Goutal, realmente me obsesionan. Una vez probé una de Jeep, en un Salón del Auto de París, cuya nota más baja dejaba trazas de algo que olía como a hule de llanta, ¡me encantó! Aunque debo considerar que la edecán que la aplicaba era una diosa.

¿Cuáles errores cometemos los hombres en cuanto a los perfumes?
No saber aplicarlos, sólo en el rostro, por ejemplo. Todavía quedan atavismos como usar los que venden en supermercados. Es mejor gastar en uno bueno y no en dos o tres que sólo Dios sabe cuáles ingredientes contienen. En ese caso, no usar nada es mejor opción. Otros se bañan en ellos, para ahogar a los demás. Tampoco hay que convertirse en un pebetero ambulante: olor a desodorante, a crema de afeitar, a espuma para el cabello y a perfume, peor si es barato. Es más elegante ser consistente con una línea, utilizarla con discreción y renovarla sólo después de bailar mucho, por ejemplo.


¿Y cuál es la diferencia entre perfume y eau de toilette?
Las sustancias aromáticas casi siempre se diluyen en un solvente, como etanol puro o rebajado con agua, o en aceites de coco o jojoba. Si la etiqueta consigna extracto de perfume, significa que el contenido tiene de 15 a 40 por ciento de aromas. Eau de perfum o millésime, del 10 al 20 por ciento. Eau de toilette, de cinco a 15 y eau de Cologne de tres a ocho por ciento. Las splash o after shave tan solo tienen de uno a tres por ciento de sustancias aromáticas. Claro, a mayor concentración, más perdurará la fragancia en el cuerpo pero también, será más cara.
Imágenes: De sus respectivas marcas.

Korn, un acercamiento subjetivo

Vamos a paso rapido hacia el pasillo que nos pondrá frente al Moustruo. Alguien de seguridad del concierto se encarga de verificar si portamos el brazalete correspondiente, nos admite y nos colocamos lo más cerca del escenario en un espacio que podría definirse como el foso. Aglomerados, con la expectativa al máximo y un rugiente público atrás, esperamos aún otro largo momento. Alguien de la seguridad pasa ladrando y empujando, quieren un corredor libre entre ese público y nosotros. Nos apretamos aún más. A pesar de todo, y contando experiencias pasadas, estos tipos en realidad no se portaron tan peor.

Empieza a elevarse el telón de fondo que dice Korn, como lento precursor. El anticipo cede por fin cuando truena la primera canción. El escenario está en la penumbra, más oscuro que gris. Un deslumbrante destello me distrae, estoy viendo por medio de la pantalla de una camarita de video, cargando un equipo fotográfico analógico, pesado, incómodo. Me distraigo un segundo cuando veo en primera fila a una chica que llora en suprema catársis. Vuelvo la vista al escenario, ya puedo ver mejor. Ahí está: Munky, con su blanco antifaz, inmóvil, histriónico, viendo al rugiente público con mirada impasible, cual sacerdote de un culto nuevo: la consagración por medio del rock. Empiezo a cavilar sobre la escena y recuerdo a Hellraiser, a la escena de las imágenes religiosas. Entonces un sonido bajo, poderoso, como martillazo de Thor me empuja hacia atrás, mi cuerpo se comprime y mis oídos se adormecen por un momento. El sobresalto me saca de las cavilaciones y me arrastra al concierto: una hora, una hora y media  de abandono hacia una dimensión que sólo había atravesado cuando allí, en ese mismo estadio, comulgué con otro público, o tal vez el mismo, con la atronante macumba de Sepultura.

No hubo macumba con Korn, en cambio, sí un indetenible tsunami sonoro que de pronto me tomó, me arrastró consigo y me llevó a los confines, a lo que Huxley denominó las antipodas de la mente. Sin más estimulante que la música misma, sin imágenes eidéticas ni fosfenos, sin más que el sentimiento bruto, desatado cual un Kracken primitivo, de sublime, pero temible, belleza.

"¿Ha estado alguna vez en un rave o en un partido de fút?", preguntó alguna vez el filosófo austriaco Karl Popper: "Son las religiones del futuro", sentenció. Pero se equivoca, señor mío: el futuro de las religiones está en el rock. ¿Ha estado usted alguna vez en un conciderto de rock señor Popper?

Fotos: klavaza, 2010.

Ana Lucía Gómez abre nuevo umbral para el arte

La Galería Ana Lucía Gómez abrió sus puertas en 2004. Hoy, tan solo seis años después no se reinventa, no se transforma ni renova: da un salto cuántico. Tras "one year in the making", su nueva sede, que se realizó empezando desde la primera piedra, ocupa un espacio espectacular que nada le debe a sus similares de Miami, Boston o Nueva York.

Sus altas puertas transparentes forman parte de un paralelepípedo cuyo volumen fue diseñado para devorar obras de gran formato. En su muestra inaugural, un gato gigante de Estefanía Valls Urquijo acechaba como venido desde la noche de los tiempos y, a pesar de su tamaño, le quedaba suficiente espacio frente a sí por si hubiese querido saltar hacia la entrada. Mientras, al fondo, una estatua de Javier Marín, de tres metros de altura, parecía pivotar sobre sí al arte clásico y al posmodernismo, pero aunque me hizo recordar a la Venus de Ille (de Prosper Merimée), en vez de temerle me sentí muy cómodo en sus cercanías, gracias a la magia de la Galería.

A pesar de su imponente fábrica, son mil metros cuadrados de construcción, 700 de ellos dedicados a exhibición, la galería luce aérea, acogedora. Está destinada a las grandes firmas, pero también a las noveles que sean dignas de ella. En el segundo piso hay un espacio abierto, ideal para instalaciones, encuentros o sólo para estar allí, meditando sobre las obras. Incluso las pinturas de Roberto Cortázar se veían cómodas en sus muros y eso que son enormes.

Si pensamos con Vassily Kandinsky que todo acto creativo surge de la lucha contra el caos, la Galería Ana Lucía Gómez podría defiinirse como un excelso lienzo tridimensional dentro del cual los artistas podrán ordenar sus obras como en muy pocos lugares más en Guatemala y América. Felicitaciones Ana Lucía por el logro y el esfuerzo, pero también por dedicar este magnífico espacio a una de las más altas aspiraciones del espíritu humano: el arte.

Fotos: klavaza, 2010.